CLOUDS OF COLOR

Throughout the centuries, artists have been attracted to nature. The early cave painters depicted landscapes with animals, for reasons we can only speculate about. Then there are the 19^th-century landscape painters, who strove to capture the late-afternoon light or a majestic movement of clouds, fascinated by the visual spectacle. But there are also modern abstract painters who extract color combinations from nature, or focus on movements such as rippling water to create dynamics in their paintings. In recent years, the relationship to nature has found a new turn, with artists focusing on non-human forms of life, on relationships that cannot be seen, usually connected to the awareness that natural resources have been exploited to the extent of causing the earth to heat up, rivers to flood, forests to dry out.

Over the years, Angelika J. Trojnarski has displayed a broad interest in phenomena that occur in nature, be it thunder unloading in the sky, a magnetic field of moving electrons, or the interactions between objects caused by gravitational pulls. She studies the mechanism of such forces and phenomena to increase her understanding of the nature of things, and of their applications in technology. Then, as an artist, she looks at the visual appearance of these phenomena. They are usually only visible to a certain extent, difficult to depict in their complexity and volume, and not to be reproduced on a two-dimensional surface. An image can only give us a fragment or an abstraction. For an artist to relate to it, it needs a framework, an aspect to focus on, a decision.

Trojnarski’s decisions are inspired both by concern and wonder. To experience her paintings is to feel nature, its heat and potential, its danger and beauty, its unpredictability. Painting, in this approach, seems to be about relating to nature in a parallel movement. Nature is Trojnarski’s starting point, and she then enters a process of transforming the visual motifs, picking out certain aspects and enlarging them. She leads us to a direct experience of color, shape, and material, and how they interact on a surface. She creates clouds of color, storms of shapes, a raining of lines whereby the most important thing is not that we recognize what it is, but that we experience its impact. The work mixes the look of things with a tactile feeling, thus offering a quality more sensorial than that of flat digital imagery. Different techniques are used to approach the canvas, including drawing, scratching, cutting, and spraying. Part of the paintings show precise drawings next to rougher, blurrier areas where composition comes accidentally. Construction and chance go hand in hand.

You might ask what exactly the paintings are telling us. Are they a warning that nature is out of balance, or an homage to its wonders, a testimony, a form of research, a refuge? They could be all of that, but for a start, we might consider the paintings to be just surfaces containing sensory memories. Abstract paintings, in a way. We might wonder about the meaning of old cave paintings, but do we fully understand the drive of a contemporary painter?

Moments of awe and respect find their way into the work. But then these moments become something else once the artist starts to work with them in the studio. What escapes the human hand in nature can be shaped in the studio; the painting is a cosmos in itself. The surface is treated with colors, with bleach, with fire, soot, and graphite. The forms can be molded to the point where they seem to have a symbolic significance, or to build up explosive potential. Fire is devastating, but it can also be purifying. It causes destruction, but nature also shows a surprising potential to regenerate. Soon after a forest fire, young green leaves may appear in the gray-black landscape. It seems that the paintings do not exclude one option or the other. They touch on possibilities, they study nature to pass on what was found.

Her works are like flashes, fields of energy, an appeal to the senses. They offer the color and texture of intense situations. And they appear in compositional solidity; we might look twice and discover layers.
The studio is like a laboratory, a place for experimentation with pigment, surface, tape, brush, bleach, oil, metal, soot, moods, and memories. Trojnarski’s practice is one of touching the material world, of trying and molding, and of following the possibilities of what it offers and allows. In the process, she might have some kind of image in mind, but that is only half the work. The touch, the hand, the gesture, all are equal protagonists. Painting is bringing an idea home in the material, merging thought with substance.

The paintings are not to be taken literally, as representations of nature, as landscape art. We also shouldn’t mistake them for ideas or facts. Even though they originate in nature, they have become something else in the studio, a freestyle interpretation, an abstraction of forces. Trojnarski shows us that as a painter, she practices the art of transformation, not illustration.
The artist cannot help but approach painting as a constructive or even miraculous practice with the goal of presenting things in such a way that we want to look at them.

WOLKEN AUS FARBE

Seit Jahrhunderten fühlen sich Künstler von der Natur angezogen. Aus Gründen, über die wir nur mutmaßen können, stellten schon die frühen Höhlenmaler Landschaften mit Tieren dar. Dann gab es da noch die Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts, die – fasziniert vom optischen Spektakel – bestrebt waren, das Licht des Nachmittags oder eine majestätische Wolkenformation einzufangen. Doch auch einige moderne abstrakte Maler ziehen ihre Farbkombinationen aus der Natur oder legen den Schwerpunkt auf Bewegungen, wie sich kräuselndes Wasser, um ihren Gemälden Dynamik zu verleihen. In den vergangenen Jahren erfuhr die Beziehung zur Natur eine neue Wendung, mit Künstler, die sich mit nichtmenschlichen Lebensformen auseinandersetzen, mit Beziehungen, die nicht sichtbar sind, für gewöhnlich verbunden mit der Erkenntnis der Ausbeutung von natürlichen Ressourcen, und zwar in einem Ausmaß, dass sich die Erde erhitzte, Flüsse über die Ufer traten und Wälder verdorrten.

Im Laufe der Jahre ließ Angelika J. Trojnarski ein umfassendes Interesse an Phänomen erkennen, die in der Natur auftreten, sei es nun der Donner, der sich im Himmel entlädt, ein Magnetfeld aus sich bewegenden Elektronen oder die Interaktionen zwischen Objekten, die durch Anziehungskraft ausgelöst werden. Sie untersucht die Mechanismen solcher Kräfte und Phänomene, um ihr Verständnis für die Natur von Dingen und deren Anwendungen in der Technik zu vertiefen. Als Künstlerin wiederum befasst sie sich mit den visuellen Erscheinungsformen dieser Phänomene. Diese sind für gewöhnlich nur in gewissem Ausmaß sichtbar und in ihrer Komplexität und ihrem Umfang nur schwer wiederzugeben, geschweige denn auf einer zweidimensionalen Oberfläche zu reproduzieren. Ein Bild kann uns stets nur ein Fragment oder eine Abstraktion bieten. Damit eine Künstlerin eine Verbindung dazu herstellen kann, braucht es ein Rahmenwerk, einen Bezugspunkt, eine Entscheidung.

Trojnarskis Entscheidungen sind sowohl von Interesse als auch von Erstaunen inspiriert. Ihre Gemälde zu erleben, bedeutet, die Natur zu fühlen, ihre Hitze und ihr Potential, ihre Gefahren und ihre Schönheit, ihre Unberechenbarkeit. In dieser Art der Malerei scheint es um die Beziehung zur Natur in einer parallel verlaufenden Bewegung zu gehen. Die Natur ist Trojnarskis Ausgangspunkt und von dort aus tritt sie in einen Prozess der Umwandlung der visuellen Motive ein, greift bestimmte Aspekte heraus und vergrößert diese. Sie führt uns zu einer direkten Erfahrung von Farbe, Form und Material, und deren Interaktion auf einer Oberfläche. Sie erschafft Wolken aus Farbe, Stürme aus Formen, herabregnende Linien, wobei es nicht in erster Linie darum geht, dass wir erkennen, worum es sich handelt, sondern dass wir die Auswirkungen erleben. Die Arbeit verbindet das Erscheinungsbild von Dingen mit einem taktilen Eindruck und bietet so eine Eigenschaft, die sinnlicher ist, als jene eines flachen digitalen Bildes. In der Auseinandersetzung mit der Leinwand setzt sie verschiedene Techniken ein, darunter Zeichnen, Kratzen, Schneiden und Sprayen. Einige der Gemälde weisen präzise Zeichnungen auf, neben gröberen, stärker verschwommenen Bereichen, wo die Komposition eher ein Zufallsprodukt ist. Konstruktion und Zufall gehen hier Hand in Hand.

Man fragt sich vielleicht, was genau die Gemälde uns sagen wollen. Stellen sie eine Warnung dar, dass die Natur aus dem Gleichgewicht ist, oder sind sie eine Hommage an ihre Wunder, ein Zeugnis, eine Art der Forschung, eine Zuflucht? Sie sind vielleicht all das, aber zunächst könnten wir die Bilder einfach nur als Oberflächen betrachten, die sensorische Erinnerungen beinhalten. Abstrakte Gemälde gewissermaßen. Wir rätseln vielleicht über die Bedeutung alter Höhlenmalerei, aber haben wir denn überhaupt präzise Kenntnis vom Antrieb zeitgenössischer Malerinnen?

Augenblicke von Ehrfurcht und Respekt finden Eingang in die Arbeit. Doch sobald die Künstlerin beginnt, im Atelier mit ihnen zu arbeiten, werden diese Augenblicke zu etwas anderem. Was der menschlichen Hand in der Natur entgeht, kann im Atelier geformt werden; das Gemälde ist ein eigener Kosmos. Die Oberfläche wird mit Farben, Bleiche, Feuer, Ruß und Graphit behandelt. Die Formen werden bis zu jenem Punkt gestaltet, an dem sie eine symbolische Bedeutung anzunehmen scheinen oder explosives Potential erreichen. Feuer ist vernichtend, kann jedoch auch reinigend sein. Es verursacht Zerstörung, doch die Natur beweist auch eine überraschende Fähigkeit zur Regeneration. Schon bald nach einem Waldbrand tauchen oftmals frische grüne Blätter in der schwarzgrauen Landschaft auf. Es scheint, als würden die Gemälde keine der Möglichkeiten ausschließen. Sie streifen die Möglichkeiten, studieren die Natur, um das zu übermitteln, was aufgefunden wurde.

Ihre Werke sind wie Blitze, wie Energiefelder, ein Reiz der Sinne. Sie konfrontieren uns mit den Farben und Texturen intensiver Situationen. Und sie erscheinen in kompositorischer Stabilität; wir schauen zweimal hin und entdecken womöglich noch weitere Schichten.
Das Atelier gleicht einem Labor, einem Ort des Experimentierens mit Pigment, Oberfläche, Klebeband, Pinsel, Bleiche, Öl, Metall, Ruß, Stimmungen und Erinnerungen. In ihrer Praxis berührt Trojnarski die materielle Welt, sie probiert aus und gestaltet, folgt den Möglichkeiten, die diese bietet und erlaubt. Im Zuge des Prozesses hat sie vielleicht ein bestimmtes Bild im Sinn, das jedoch nur einen Teil der Arbeit ausmacht. Die Berührung, die Hand, die Geste sind gleichberechtigte Protagonistinnen. Durch das Malen überführt sie eine Vorstellung in Material, verbindet Gedanken mit Substanz.

Die Gemälde sollten nicht wortwörtlich genommen werden, als Darstellungen von Natur, als Landschaftskunst. Wir sollten sie nicht als Ideen oder Fakten missverstehen. Obwohl sie ihren Ursprung in der Natur haben, wurden sie im Atelier zu etwas anderem, einer Freistil-Interpretation, einer Abstraktion der Kräfte. Trojnarski zeigt uns, dass sie sich als Malerin nicht der Kunst der Illustration, sondern jener der Transformation bedient.
Die Künstlerin kann nicht umhin, sich der Malerei als konstruktive oder sogar wundertätige Praxis anzunähern, mit dem Ziel, die Dinge so darzustellen, dass wir sie gerne betrachten wollen.